Siamo nell’epoca dei reboot, della nostalgia e dei remake. Lo abbiamo sottolineato più volte e, con il passare degli anni, diventa sempre più evidente: il cinema contemporaneo continua a rivivere della gloria passata di film che hanno fatto la storia, cercando nuovi modi per farli sopravvivere nel presente.
In questo contesto si inserisce Anaconda, operazione consapevole e dichiaratamente ironica con cui Sony decide di divertirsi, omaggiando uno dei franchise più iconici degli anni Novanta attraverso il filtro del sarcasmo. Perché sì, forse esiste un solo vero modo per riscrivere qualcosa: aggiungere contenuto, permettergli di continuare a vivere. E proprio attraverso l’ironia si può trovare la chiave per attribuire un nuovo significato a ciò che è già noto.
Quando il remake smette di prendersi sul serio
Il tutto viene reso palese fin dai primissimi istanti. Il senso del film è dichiarato apertamente, sia nel suo svolgimento che nei dialoghi: non c’è ambiguità, non c’è trucco. Tutto è masticato e rigettato per uno spettatore anche diffidente, perché non esiste alcuna pretesa di prendersi sul serio. Al contrario, il film sceglie deliberatamente di prendere in giro i propri stessi intenti, smontandoli pezzo dopo pezzo.
È fin troppo facile immaginare la produzione seduta a tavolino a stabilire come far fruttare dei diritti cinematografici rimasti fermi per quasi trent’anni. Ed è altrettanto evidente come, una volta avuta l’idea, questa venga lentamente demolita dall’interno, tra le risate e l’assurdità della sua stessa esistenza. Il sarcasmo diventa così un’arma e un mezzo, l’unico strumento possibile per raggiungere questo balordo scopo.
Rifare Anaconda: tra crisi di mezza età e ossessione cinefila
Al centro del racconto ci sono Doug e Griff, interpretati da Jack Black e Paul Rudd, migliori amici fin dall’infanzia e accomunati da un’ossessione cinefila: Anaconda, il film che ha segnato la loro giovinezza. Spinti da una crisi di mezza età e dal bisogno di dare un senso a sogni rimasti incompiuti, decidono di partire per l’Amazzonia e girare il remake del loro film del cuore.
Ciò che inizia come un set caotico e improvvisato si trasforma rapidamente in qualcosa di molto più serio. L’apparizione di una vera anaconda gigante cancella ogni distanza tra finzione e realtà, trascinando i protagonisti dentro il film che tanto amavano. Non solo inseguono un sogno fallito, ma si ritrovano totalmente immersi nella sua stessa materia narrativa, con tutte le conseguenze del caso.
Oltre a questa carica meta-narrativa, Anaconda gioca anche tecnicamente con l’eredità del cinema di genere. La produzione, guidata da Tom Gormican (già regista di The Unbearable Weight of Massive Talent), utilizza una combinazione di stili visivi e soluzioni pratiche per dare forma al suo caos controllato. Le riprese sono state effettuate in Queensland, Australia, trasformando la rigogliosa foresta pluviale e le cascate locali in una stand-in credibile per l’Amazzonia — senza mai perdere quella sensazione di set volutamente “vero ma finto” che permea tutto il film.
Tra animatronica, CGI e auto-parodia: il serpente come specchio del cinema
Tecnologicamente, il film non rinnega le sue radici creature feature: la gigantesca anaconda è costruita con un equilibrio di animatronica realistica e CGI moderna, un ibrido che richiama l’estetica degli effetti pratici degli anni ’90 pur sfruttando la precisione digitale contemporanea. Questo permette scene in cui il serpente reagisce con movimenti tangibili, senza affidarsi esclusivamente alla post-produzione computerizzata, sostenendo così il duplice obiettivo di essere sia spaventosamente divertente che visivamente affascinante.
La scelta del direttore della fotografia e del montaggio enfatizza poi quel senso di tensione giocosa che sta al cuore del progetto: immagini con luci e ombre partecipano quasi attivamente alla commedia, mentre inquadrature strette e panoramiche più ampie scherzano costantemente con l’incongruenza tra la realtà del set “a basso budget” e l’imponenza della natura circostante.
Questi elementi tecnici non sono mai posizionati lì per puro virtuosismo, ma per servire la satira interna del film, quasi come se Anaconda non raccontasse solo una storia, ma la guardasse costantemente allo specchio, consapevole della sua stessa natura di opera che ride dei propri espedienti pur sfruttandoli appieno.
Tra horror e commedia: il nuovo osserva sé stesso e il pubblico
Da qui il definitivo cambio di tono: ci allontaniamo dal thriller e dall’horror che avevano caratterizzato l’Anaconda del 1997, pur riutilizzandone i codici in modo paradossale per fonderli con quelli della commedia. Lo spettatore si ritrova così sospeso tra risate, tensione e colpi di scena improvvisi. Se un tempo Ice Cube e Jennifer Lopez fronteggiavano il rischio di essere stritolati, oggi le dinamiche sono simili, ma filtrate da uno sguardo consapevole, ironico e autocritico.
Il grosso serpente diventa allora la metafora definitiva dei sogni irrealizzati, di ciò che torna a galla quando si prova a riaprire il passato senza protezioni. E a completare il gioco meta-cinematografico arriva persino una diffida da parte di Sony nel pubblicare tutto il materiale girato e montato dai protagonisti: ultimo tassello di un film che non smette mai di commentare sé stesso.
Anaconda non vuole spaventare come una volta, né limitarsi a far ridere. Vuole raccontare il rischio di guardarsi indietro, di voler rifare ciò che ci ha definiti, e di scoprire che il film che muori dalla voglia di girare potrebbe — ancora una volta — divorarti vivo.
Diletta Muccilli