Presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia, The Echo Chamber di Andrea Pallaoro è una storia d’amore sospesa tra presenza e assenza, cura e dipendenza, desiderio e controllo. Al centro ci sono Leo, un produttore musicale interpretato da Luca Marinelli, e Anne, una dottoressa interpretata da Alicia Vikander, due persone incapaci di stare insieme ma altrettanto incapaci di separarsi davvero.
Il film si apre con Anne che trova Leo privo di sensi dopo un’overdose di antidolorifici oppioidi. Da questo momento, il racconto procede lungo due linee temporali parallele: una segue il periodo precedente all’incidente, quando i due si incontrano e iniziano una relazione; l’altra racconta ciò che accade dopo il ricovero e la riabilitazione di Leo.
La loro storia nasce da una situazione già ambigua. Anne è la fisioterapista che si prende cura del mal di schiena cronico di Leo, ma il rapporto professionale si trasforma presto in un’intimità sempre più difficile da controllare. Quando gli antidolorifici diventano una dipendenza, l’amore si lega indissolubilmente alla colpa. Leo associa Anne alla propria autodistruzione, mentre Anne non riesce ad accettare di essere esclusa dalla sua vita.
La cura che diventa controllo
Il film parte da un tema potenzialmente molto interessante: il confine sottile tra prendersi cura di qualcuno e cercare di possederlo. Anne vuole aiutare Leo, ma il suo bisogno di essere necessaria si trasforma progressivamente in una forma di dipendenza affettiva. Leo, da parte sua, alterna il desiderio di liberarsi da quella relazione alla necessità di sentirsi ancora amato.
Nessuno dei due sembra davvero interessato alla libertà dell’altro. La loro relazione è costruita su una serie di gesti che possono apparire romantici in un momento e inquietanti in quello successivo. Anne entra di nascosto nell’appartamento di Leo quando lui è assente, controlla gli spazi, osserva le sue abitudini e cerca tracce della sua presenza. Inizialmente sembra voler verificare che non sia ricaduto nella dipendenza, ma presto il controllo diventa un modo per restare legata a lui.
La casa diventa così il luogo concreto della loro ossessione. Anne si muove tra le stanze come un fantasma, dorme nel suo letto, usa il suo bagno, sfiora gli oggetti personali e lascia lentamente segni sempre più evidenti del proprio passaggio. L’appartamento non è soltanto uno spazio fisico, ma una sorta di archivio emotivo, pieno di ricordi e tracce di una relazione che non riesce a finire.
L’idea è forte, ma il film non sempre riesce a svilupparla con la necessaria profondità. La natura ambigua del rapporto viene spesso dichiarata attraverso comportamenti già molto espliciti, senza che la sceneggiatura riesca davvero a interrogare le motivazioni dei personaggi. Anne appare ossessiva, Leo manipolatorio e dipendente, ma il loro conflitto tende a ripetersi invece di evolversi.
Un racconto chiuso dentro un appartamento
Pallaoro sceglie di ambientare quasi interamente il film nell’appartamento di Leo. È una decisione coerente con il tema della prigionia emotiva, ma anche rischiosa. Lo spazio è elegante, luminoso, pieno di libri, strumenti musicali e oggetti capaci di raccontare una vita creativa e privilegiata. La casa sembra un’estensione del suo proprietario: raffinata, colta, apparentemente aperta, ma in realtà costruita per proteggere un mondo interiore inaccessibile.
La fotografia di Diego García valorizza ogni dettaglio. Le immagini sono composte con grande attenzione, attraverso inquadrature ricche di piani, superfici e riflessi. Le stanze diventano paesaggi interiori, mentre i corpi degli attori sono spesso isolati all’interno dell’architettura. La regia di Pallaoro è controllata e sensibile, capace di creare una tensione sottile anche nei momenti più immobili.
Il problema è che la bellezza formale non sempre trova un corrispettivo nella narrazione. Il film osserva con precisione i personaggi, ma spesso sembra non sapere cosa farne. La ripetizione delle visite clandestine di Anne, dei suoi piccoli rituali e dei suoi tentativi di attirare l’attenzione di Leo finisce per dilatare una storia che avrebbe avuto bisogno di maggiore sintesi.
L’appartamento è un’idea visiva efficace, ma rischia di trasformarsi in una gabbia anche per il film. Il mondo esterno rimane quasi completamente escluso, mentre la relazione continua a girare su se stessa, come un’eco che ripete sempre le stesse parole senza riuscire a produrre un nuovo significato.
Una struttura temporale poco incisiva
La scelta di alternare passato e presente dovrebbe creare un senso di progressiva rivelazione. Il pubblico conosce fin dall’inizio l’esito della crisi, mentre le due linee temporali ricostruiscono lentamente il percorso che ha portato Leo all’overdose e Anne alla sua ossessione.
Tuttavia, il montaggio non riesce sempre a dare alla struttura una reale necessità. Le due temporalità si completano solo in parte e spesso sembrano procedere parallelamente senza produrre una tensione crescente. Il film vorrebbe trasformare il rapporto in un enigma emotivo, ma le motivazioni dei protagonisti risultano abbastanza chiare fin dall’inizio.
Anche il passaggio dalla relazione alla dipendenza appare troppo lineare. Leo soffre di dolore fisico, Anne gli somministra gli antidolorifici e il farmaco diventa progressivamente il centro della sua vita. Ma il film è più interessato alle conseguenze sentimentali della dipendenza che alla sua dimensione concreta. Il dolore fisico rimane soprattutto un dispositivo narrativo, mentre la crisi di Leo serve a spiegare la frattura tra i due.
Un melodramma che perde la misura
Il film è più convincente quando rimane sospeso, quando osserva i personaggi senza giudicarli e lascia che siano gli spazi, i silenzi e i piccoli gesti a suggerire il loro disagio. Nella parte finale, però, Pallaoro sembra perdere quella misura iniziale e introduce una svolta melodrammatica che appare eccessiva rispetto al tono costruito fino a quel momento.
Il finale cerca di trasformare la relazione in una tragedia definitiva, ma il risultato è più insistito che devastante. L’impressione è che il film voglia ribadire con forza ciò che aveva già mostrato attraverso le immagini: l’amore può diventare una prigione, la cura può trasformarsi in controllo e il desiderio di restare accanto a qualcuno può impedire a entrambi di salvarsi.
Il problema non è l’ambizione tragica, ma la mancanza di un vero approfondimento. The Echo Chamber ha idee visive e tematiche interessanti, ma spesso le lascia a metà. La critica alla dipendenza, alla solitudine e alle relazioni tossiche rimane più suggerita che sviluppata, mentre la durata finisce per amplificare la sensazione di immobilità.
Un film elegante ma irrisolto
The Echo Chamber è un’opera formalmente raffinata, sostenuta da una fotografia splendida, da una regia precisa e da interpretazioni solide. Andrea Pallaoro dimostra ancora una volta di saper lavorare sui corpi, sugli spazi e sulle tensioni invisibili che attraversano le relazioni.
Ma la bellezza delle immagini non basta a compensare una narrazione troppo dilatata e una scrittura che tende a ripetere gli stessi conflitti. Il rapporto tra Leo e Anne avrebbe potuto diventare una riflessione complessa sulla dipendenza e sul bisogno di possesso, ma rimane spesso un melodramma chiuso dentro sé stesso.
A rendere il film più vivo è soprattutto Susan Sarandon, capace di portare ironia, energia e umanità in un racconto dominato dalla sofferenza. Il resto, invece, rimane intrappolato nell’appartamento e nelle proprie ossessioni.
The Echo Chamber è dunque un film elegante e ambizioso, ma anche faticoso e irrisolto. Una storia d’amore che vorrebbe parlare dell’impossibilità di lasciarsi andare, finendo però per non riuscire mai davvero a liberarsi dalle proprie ripetizioni.
Aida Picone